1.
Introducción. Los órdenes clásicos
El arte griego es producto de oleadas de pueblos
indoeuropeos afincados en la Hélade, que sintetizaron sus aportaciones con la cultura local. Hacia el 1600 a .C. los aqueos fundan
el imperio Micénico; y en torno al 1100 a .C., los dorios arruinan a los aqueos.
Posteriormente, este arte influirá en Roma y Bizancio, y será recuperado en el Renacimiento y Neoclasicismo. Pero no solo se produjo arte, los griegos sentaron las bases de la democracia y de la cultura europea.
La arquitectura se forjó a partir de los órdenes clásicos
(conjunto de reglas fijas referidas a la escala, la forma y la decoración del
edificio). En el s.VII se concretaron los órdenes dórico y jónico. El corintio surgió dos siglos después.
El hombre era la medida de todas las cosas. La columna se componía de basa, fuste y capitel. El diámetro inferior del fuste constituía la unidad de medida para calcular todas las proporciones. La altura de las columnas y sus estrías variaban según el orden al que perteneciera. El capitel dulcifica la brusca transición entre la columna y el entablamento, y ofrece tipos distintos según el orden: el dórico posee un grueso ábaco; el jónico volutas; y el corintio asemeja un cesto de hojas de acanto.
La decoración se centra en el friso que cabalga sobre el entablamento. El dórico es partido por metopas entre triglifos; jónico y corintio presentan un campo liso para desarrollar relieves.
La sobriedad viril del orden dórico se impuso en el Peloponeso y las colonias italianas. La esbeltez femenina del orden jónico apareció en Asia Menor. En el s. V se yuxtapusieron ambos órdenes en el Partenón (dórico en exterior y jónico en interior). El orden corintio tendrá su máxima expansión en el período helenístico.
El hombre era la medida de todas las cosas. La columna se componía de basa, fuste y capitel. El diámetro inferior del fuste constituía la unidad de medida para calcular todas las proporciones. La altura de las columnas y sus estrías variaban según el orden al que perteneciera. El capitel dulcifica la brusca transición entre la columna y el entablamento, y ofrece tipos distintos según el orden: el dórico posee un grueso ábaco; el jónico volutas; y el corintio asemeja un cesto de hojas de acanto.
La decoración se centra en el friso que cabalga sobre el entablamento. El dórico es partido por metopas entre triglifos; jónico y corintio presentan un campo liso para desarrollar relieves.
La sobriedad viril del orden dórico se impuso en el Peloponeso y las colonias italianas. La esbeltez femenina del orden jónico apareció en Asia Menor. En el s. V se yuxtapusieron ambos órdenes en el Partenón (dórico en exterior y jónico en interior). El orden corintio tendrá su máxima expansión en el período helenístico.
2. El
templo griego: el Partenón
En cuanto a su significación, el templo griego no es lugar de oración. El punto de vista del
espectador tenía una significación fundamentalmente externa. En el s. VII a.C. surgen
los primeros, su estructura es muy simple: consta de una sala
rectangular o naos, que alberga la efigie divina, precedida de un pórtico delantero
abierto o pronaos, y secundada en el extremo opuesto por otro pórtico cerrado
llamado opistódomo. Se eleva sobre una plataforma de tres escalones (krepis), donde
el peldaño superior (estilobato) aguanta el peso del edificio. Alrededor de la
naos se habilitó un pasillo exterior o perístasis delimitado por columnas. La arquitectura es arquitrabada, y en
época clásica el material fue el mármol, con una policromía final en
tonos rojos y azules.
El Partenón es un templo octástilo (8 columnas en la fachada)
anfipróstilo (2 entradas) y períptero (con pasillo exterior entre columnas). Se concibió en agradecimiento a la diosa Atenea , que les
había conducido a la victoria sobre los persas y mostraba la prosperidad de la
época.
Previamente, Pericles tuvo que vencer la oposición de la Asamblea. Este
proyecto fue financiado por la Liga
de Delos, el botín de campañas militares y la ayuda de ciudadanos libres (dinero y
esclavos).
La planificación fue de los arquitectos Ictino y Calícrates, que emplearon exclusivamente mármol pentélico, y redujeron el ancho de las galerías para
aumentar el tamaño de
Los frontones
El oriental representa el nacimiento de la diosa Atenea surgiendo, madura y armada, de la cabeza de Zeus. La joven Niké está coronando a la diosa, mientras Hermes y Hefaisto, que han asistido al parto en calidad de cirujanos, corren despavoridos ante el extraño alumbramiento. . Todos los personajes son de idéntica escala, acomodándose con su postura a las pendientes del frontón triangular. Asimismo, las telas de los vestidos se pegan al cuerpo dejando traslucir la anatomía (técnica de paños mojados).
El oriental representa el nacimiento de la diosa Atenea surgiendo, madura y armada, de la cabeza de Zeus. La joven Niké está coronando a la diosa, mientras Hermes y Hefaisto, que han asistido al parto en calidad de cirujanos, corren despavoridos ante el extraño alumbramiento. . Todos los personajes son de idéntica escala, acomodándose con su postura a las pendientes del frontón triangular. Asimismo, las telas de los vestidos se pegan al cuerpo dejando traslucir la anatomía (técnica de paños mojados).
En el frontón occidental se representa el certamen que se
convocó en Olimpo para elegir patrono del Ática. Como finalistas del concurso:
Poseidón (hizo brotar un manantial) y Atenea (disparó una jabalina que germinó un
olivo). Los dioses y héroes locales, que asisten como jurados, no dudaron en
votar a ésta última.
 |
| Centauromaquia |
Son 92, colocadas en las fachadas menores (este y oeste) y en los flancos mayores (norte y sur). Ilustran 4 ciclos míticos en los que Atenea participó con resultados favorables:
El friso de las Panateneas
 |
| Entrega del peplo para Atenea |
Fidias plasmó en un friso las grandes fiestas griegas de las Parteneas. Todos los años, la ciudad subía en procesión a
En las Mayores (cada 4 años), las doncellas entregaban a los sacerdotes un peplo que habían tejido para revestir a la diosa.
3.
La escultura griega
 |
| Doríforo, de Policleto |
 |
| Apoxyómeno, de Lisipo |
En la época clásica los griegos reprodujeron la realidad aplicando
3 conceptos a las estatuas: la armonía de proporciones (canon de 7 cabezas en el s.V y 8 en el s.IV), el principio de la diartrosis (acentuada división entre tronco y extremidades) y la postura del contrapposto (una pierna sostiene, la otra se flexiona).
Los grandes maestros del siglo V: Fidias y Policleto
Fidias
 |
| Atenea Lemnia |
La desafiante Atenea Promakhos se erigió hacia el año 460 a .C. en la Acrópolis para conmemorar la victoria sobre los persas Era una figura gigantesca de 15 m de altura con casco y
lanza. La creciente humanización de los dioses hizo que se recurriese a agrandar sus proporciones para
diferenciarlos de los humanos. En el 450 a .C., los atenienses que iban a colonizar la
isla de Lemnos encargaron la
Atenea Lemnia, que aparece en actitud pacífica, desprovista de armas y con el casco en la mano. La supervisión general del Partenón corrió por su cuenta, y también se le confió la ornamentación y la imagen titular de Atenea Parthenos, un coloso d 12 m ,
labrada en marfil y oro (criselefantina), que presidía la naos del Partenón. Al concluir esta obra, Fidias es acusado de robar
materiales destinados al Partenón, por lo que fue deportado. Se refugió en
Olimpia, donde realizó el sereno y grave Zeus Olímpico, sentado en el trono y
con una representación de la victoria en la mano.
Policleto
 |
| Diadúmeno |
Policleto sintetizó todas sus ideas en el Doríforo, un joven en actitud de avanzar que porta la lanza en la mano izquierda, apoyándosela en el hombro. Fue fundida en bronce en el
La iconografía viril de Policleto se enriqueció con el Diadúmeno (
Los grandes maestros del siglo IV: Praxíteles, Escopas y Lisipo
Durante los últimos años del s.V y principios del s.IV, desde el
equilibrio clásico se avanza hacia el realismo, con la incorporación de temas
tanto patéticos o crueles como íntimos o tiernos.
Tres nuevas tendencias iluminaron la plástica griega del s.IV:
expresar las emociones líricas (charis praxiteliana), explotar el estado dramático (phatos escopásico), y la fusión que hace de ambas tendencias Lisipo acuñando un nuevo canon de belleza, inspirado en 8 cabezas.
Praxíteles nació en Atenas.
Aprendió de su padre. Sus obras de juventud apuntaron a temas agradables, llenos
de encanto, tratados con suavidad y reflejados a través del rítmico contoneo
sinuoso que se ha dado en llamar curva praxiteliana. Su obra maestra (
Frente a la simpatía de Praxíteles, Escopas ahonda en los estímulos patéticos dando origen a individuos atormentados e inflamados de pasión. Sus trabajos se desarrollaron en mármol. Representa a héroes trágicos y muestra predisposición por los irracionales y embriagados integrantes del cortejo dionisíaco. Su instintiva Ménade furiosa retratada en plena orgía, con un cabrito muerto sobre los hombros, muestra el pathos escopásico, que el artista conseguía al complementar el dinamismo del cuerpo con rostros de bocas anhelantes y ojos profundos.
Lisipo era broncista. Volvió nostálgico los ojos hacia el Doríforo y revisó el canon de belleza convirtiendo la cabeza en una octava parte de la escultura total del cuerpo humano. Los cronistas antiguos le atribuyen 1500 obras. Se trata de esculturas e imágenes de gran realismo e intensidad que se mueven en el espacio. La más celebre, conocida por una copia romana es el Hércules Farnesio. Lisipo fue el escultor predilecto de Alejandro Magno. A través de sus esculturas se abren las puertas al pleno helenismo. Además, esculpió el Diadúmeno, atleta que se retira el aceite y la arena con un estrígilo.
4. El período helenístico
El helenismo supone la universalización de la cultura griega que se
une a un mundo diferente, el oriental, lo que hace que se produzca una nueva
concepción de la vida y unos nuevos valores. En menos de 40 años, desde la
aparición de Alejandro Magno en Grecia se dio un cambio radical en la concepción
política, la interrelación económica y los profundos cambios en la sociedad.
La demanda artística en el mundo griego hasta este momento viene
determinada por las polis y con una finalidad básicamente religiosa. Los clientes en
la época helenística fueron personajes poderosos, monarcas, generales, cuyas
voluntades individuales debían plasmarse a través del arte, donde se elegía el
tema de lo real: los proyectos de los gobernantes y sus realizaciones. Los
artistas, y en especial los escultores han de tener en cuenta cómo es la sociedad
ya que es sin duda la principal cliente.
En este periodo se producen grandes desplazamientos de gente a las grandes ciudades como Alejandría y Pérgamo, con lo que la mezcla cultural hacía difícil una comprensión común por parte del espectador. Los temas exóticos, las emociones violentas, los temas costumbristas, los sensuales… serán los propios de un periodo en el que el carácter heterogéneo de la sociedad llevaba a la elección de temas de fácil comprensión que no necesitaban mucho aleccionamiento cultural.
En este periodo se producen grandes desplazamientos de gente a las grandes ciudades como Alejandría y Pérgamo, con lo que la mezcla cultural hacía difícil una comprensión común por parte del espectador. Los temas exóticos, las emociones violentas, los temas costumbristas, los sensuales… serán los propios de un periodo en el que el carácter heterogéneo de la sociedad llevaba a la elección de temas de fácil comprensión que no necesitaban mucho aleccionamiento cultural.
La etapa helenística supone un trabajo más de taller. La cara era
obra del artista, pero la actuación de los ayudantes era preponderante, y permitían
mayor cantidad de réplicas de obras originales. También les preocupa introducir un mayor
colorismo y las combinaciones de mármoles blancos y de colores predominando las
granulosidades distintas.
Las grandes creaciones pertenecen al campo de la escultura. En él se ofrecen soluciones satisfactorias en el orden técnico e
iconográfico: las estatuas pierden el punto de vista frontal a favor de su
visibilidad desde todos los ángulos. Se resuelve también el problema de la torsión del
cuerpo, con figuras girando en espiral, y surgen grupos complejos integrados por varios personajes. Se cultivan las 3 edades de la vida. Los modelos pueden ser
griegos o extranjeros, vestidos o desnudos, y triunfa la alegoría. Destacan 4
grandes escuelas:
Atenas: cultiva el retrato de los
intelectuales. Paralelamente surge una escuela neoática, caracterizada por copiar y
rejuvenecer los modelos clásicos d los s. V y IV.
Alejandría mostró temas cotidianos y
alegóricos. Representó toda 1 galería d tipos populares en terracota, piedra o
bronce y simultáneamente desarrolló en mármol, personificaciones d ideas
abstractas: Alegoría del río Nilo.
Pérgamo se inclina por temas patéticos de sentimientos violentos. Sus obras más importantes fueron:
me ha servido de mucha ayuda, gracias:)
ResponderEliminar